Contemporain Modernité et avant-gardes 1905-1939

André Derain, Les faubourgs de Collioure ou Vue de Collioure, 1905, hst.

Mort en 1906
Rétrospective Cézanne au Salon d'automne 1907

le 18 octobre 1905 lors du salon d'Automne.

1905-1908
L’autonomie de la couleur et l’intervention des émotions du peintre comme composantes picturales.
La génération de 1905 : met en avant la couleur comme élément constructif et essentiel, rôle expressif.
Ils seront très impactés par la grande rétrospective de Cézanne en 1906.

Le pont > créer un lien entre l'art du passé et du futur. Fondé en 1905 à Dresde Allemagne, par 4 jeunes architectes rebels Kirchner, Fritz Bleyl, Heckel, et Karl Schmidt-Rottluff
(as well as by Emil Nolde, Max Pechstein, and Otto Mueller, members who joined later.)
Manifeste de Kirchner en 1906,
en fin 1911 > Berlin, dissolution en 1913.

Mouvement artistique était axé sur
- l'expérimentation,
- le rejet des conventions académiques et
- la recherche de nouvelles formes d'expression artistique.
Ils cherchaient à créer un art plus audacieux, émotionnel et en rupture avec les normes artistiques

Inspirés par Gauguin, Van Gogh, et Edvard Munch.

Brücke developed a painting style with vivid colours, simplified forms, broken-up perspectives, and large colour fields that express feelings rather than reproducing an external reality.

"Croyant au progrès, dans une nouvelle génération de créateurs et de jouisseurs, nous appelons tous les jeunes à s’unir, et en tant que jeunes porteurs du futur, nous voulons libérer nos bras et nos vies des forces établies plus anciennes. Quiconque rend directement et honnêtement ce qui stimule sa créativité est l’un des nôtres. »

Contexte ; l’Allemagne connait une industrie plus tardive que la France. Cette industrialisation est plus violente, bouleversement à savoir l’exode rural.
Ces artistes ont en tête l’image de la nature. Ils vont se retourner vers les techniques artisanales. On retrouve des paysages mais aussi des nus. Urbanisation anarchique et grande pauvreté.

Leitmotiv des Die Brucke, le nu dans la nature, en nostalgie d’un âge d’or où l’humanité n’était pas coupé de la nature.

"Le Cavalier bleu"
Fondé en 1911 à Munich.
Ils cherchaient à transcender les frontières entre l'art, la musique et la spiritualité, et à exprimer des émotions profondes et universelles à travers leurs œuvres. Y figurent Wassily Kandinsky et Franz Marc.
Le groupe publia également un almanach en 1912, décrivant leurs idées artistiques et spirituelles.
Il se dissout en 1914 juste après le début de la WW1. Mouvemnt bref mais très influent.

Matisse, La Moulade, 1905, hst.

à la limite d’une toile abstraite, la question de l’abstraction est sous-jacente.
Travailler sur la surface, évacuer les détails et anecdotes peu à peu car focus sur la couleur.
Pas d'aplat mais des zones de couleur, exécution rapide, la touche est visible. La couleur respire, vibre. Vigueur, densité des couleurs et tons.

Iconographie simple soit paysage, portrait, scène de genre > mineure.
Facture plus homogène (il quitte celle divisionniste)

Derain, Regent Street, Londres, 1906, hst.

Touches larges de couleur. Le fouet du cocher au centre sépare la composition

Matisse, Le Bonheur de vivre, 1905.

Dessin excessivement synthétisé, suggérer le mouvement. Volumes comme aspirés par la couleur. Il ne creuse pas la profondeur.

Derain, La route tournante à l’Estaque, 1906, hst.

Dessin très affirmé. Il cloisonne les couleurs. Coloré, synthétique. Plages de dégradés, présence du motif et de la couleur.

“Ce que je recherche avant tout c’est l’expression“
Matisse.

_Braque, Viaduc à l’Estaque, 1908, MOMA
Gamme réduite à 2 tons. Plus géométrique.
Il est fauve puis cubiste

Il n’y a plus de profondeur par contre il y a une volumétrie des formes. Par le travail de la couleur qui joue le rôle de la lumière.

Matisse, Femme au chapeau, 1905.

”Une agression à l’encontre de la figure humaine” et de la tradition du portrait. Fait scandale au salon de l’automne. Un portrait doit être ressemblant.

Composition polyphonique, orchestration de la couleur.
Fond; aplats brossés, peu de matière. Un chromatisme très soutenu.
Chapeau, visage et costume ; même teintes plus concentrées, densité de matière. Même gamme de couleurs.
Traitement du visage. il n’y a pas de modelé par ombres et lumière. équivalents plastiques colorés. Il choisit lignes vertes sur le nez et le front, vert ⇒ ombre, équivalent plastique. Exactement les même teintes, des variations d’épaisseur et de concentration.

Acheté par les 2 collectionneurs américains Gertrude Stein et son frère Léo.

Derain, Danseuse ou Femme en chemise, 1906, hst.

Cernes bleus sur le bras et la poitrine pour l’ombre. Les cernes noirs permettent de renforcer l’expression
Sensation visuelle doublée d’un aspect psychologique. Recherche de contrastes forts, il est à la limite de la caricature.

Kirchner, Marzella, 1909

Travail à partir de la couleur qui construit les œuvres.

Kirchner, Scène de rue à Berlin, 1913,

Il transforme sa technique vers 1911-12. Structure plus anguleuse et linéaire, plus hachée. Couleurs plus acides. L’emprise de la vie citadine sur l’individualité, oppression sur l’individu. Silhouette émaciée, la figure anonyme de la foule. Des touches plus hachurées et serrées. Un chromatisme beaucoup plus sourd, et plus restreint, plus froid, pour créer une atmosphère de confusion et d’angoisse. Un dessin expressif et déformant.

⇒ Missions ethnographiques. Entrainent un primitivisme. Découverte de nouveaux codes. Ca les confirme dans leur recherches.
Représentation > Figuration.
L’idée d’un age d’or, d’un monde passé idéalisé. Kirchner arrive à Berlin, il a une vision négative de la ville.

Remise en question de la représentation traditionnelle. Amorce d’un changement / bouleversement pictural.
> La peinture pour elle-même en tant qu’objet. Il y a la photo, alors qu’est-ce que la peinture?

- Eloigne de l’iconographie détaillée. La représentation tend à se dissoudre. Rejet de l’illusionnisme (et donc perspective). Disparition des détails et anecdotes.
- Bidimension, surface du tableau en valeur.
- L’expression au moyen de la couleur.

⦁ Les demoiselles d’Avignon : 1907
⦁ Cubisme cézannien : 1908-1909
⦁ Cubisme analytique : fin 1909-1911
⦁ Invention des papiers collés : 1912
⦁ Cubisme synthétique : 1912-1914

l'exposition Armory Show, à New York, en 1913
met l’accent sur l’art français, Cézanne, le cubisme et le dadaisme, et les oeuvres des frères Duchamp dont le Nu descendant un escalier, 1912 de Marcel Duchamp fait scandale.

Du Cubisme publié en 1912 par Gleizes et Metzinger
"La seule erreur en art c'est l'imitation":_\

Les demoiselles d'Avignon, MOMA, 1907
(jamais achevé)
Considérée comme la 1ère création cubiste.

Parodie contestataire du Bain turc d’Ingres (1859-63, Louvre), et de la joie de vivre de Matisse (1905-6).

Il témoigne de longues recherches menées par Picasso sur l’épurement des formes et l’élimination des détails descriptifs et sentimentaux, et de sa volonté d’approfondir la leçon de Cézanne sur le rendu de l’espace par la superposition des plans, au détriment du clair-obscur et de l’illusion anthropomorphique de la profondeur, selon le principe cézanien ; “traiter la nature par le sphère, le cylindre, le cône”.
Il anticipe la fascination de Picasso pour l’art africain, visible dans le traitement elliptique des figures, leur représentation frontale et l’aspect de masques de leurs visages.
- Déstructuration des corps

Aboutit d'une longue recherche, appelé d'abord "le bordel philosophique". Il avait d'abord prévu d'y représenter un marin assis et un personnage tenant un crâne, le mal pénètre dans le palais du plaisir, la mort éruption. après de nombreuses études Picasso rend sa peinture plus explicite et brutal, ainsi la présence des hommes et du crâne cessent d'être nécessaire. La violence qu'ils exprimaient allégoriquement est passée dans l'exécution même. Dans son état final les femmes représentent 3 états de l'évolution stylistique, du plus élégant au plus sacrilège.

Matisse, le bonheur de vivre, 1905-6

_Braque, Grand nu, 1908, MNAM, Pompidou.

Influence des Demoiselles d'Avignon par les déformations anatomiques, l'amplification des volumes, les draperies déployées autour du corps et les hachures obliques. Mais aussi celle de Cézanne par le chromatisme et la prédominance des formes rondes ou fuselées.

1908-9

Cézanne ! qui utilise des formes géométriques simples pour la représentation d'objets
Picasso et Braque s'inspirent de lui
- Multiplicité de la perspective.
- Couleurs terreuses

Braque, Les Maisons à l’Estaque, 1908

Suppression de la perspective. Juxtaposition et agglomération. Conception cristallaire (transparence) (minéral) du paysage inorganique. Réduction chromatique au jaune et vert.
C’est à partir d’une réflexion critique de Matisse (membre du jury) devant ce tableau, qui a été présenté et refusé au Salon d’Automne de 1908, “fait de petits cubes”, que le terme cubisme a été inventé, puis repris et généralisé par le critique Vauxcelles "le peintre réduit tout, sites et figures et maisons, à des schémas géométriques, à des cubes".

il géométrise et structure l'espace par des prismes. imbrication et superposition des éléments. il ne creuse pas l'espace. une volumétrie suggérée. affirme la planéité de la toile. agglomération des éléments. La couleur fait la distinction entre le végétal et bâtiment. en superposant les éléments, la perspective n'existe plus.

_Cézanne, 1906, Les grandes baigneuses.

_Picasso, Réservoir à Horta de Ebro, été 1909.

Chromatisme à 2 couleurs, ocre et gris-bleu.
Une architecture de prisme, ces formes géométriques deviennent un principe d’organisation de la composition.
Au 1er plan les volumes s’aplanissent.

La construction d’un langage formel analytique.
Le cubisme n’est pas abstraction

Ils veulent nous démontrer l’arbitraire des signes picturaux. Remettent en cause. Montre que le tableau est une fabrication. Souligner les contradictions et ambiguïtés de la représentation.
Les signes.

Plus de plans > des registres.
Les volumes éclatent en série de plans (puis en facettes). Il s’est débarassé de l’idée de volumes.
Multiplication des fragments au niveau des éléments importants.

Braque, Violon et palette, 1909-10.

Détail : le clou a son ombre donc perspective.

Picasso, Portrait d’Ambroise Vollard, fin 1909-10.

Le portrait est un genre qui exige la mimésis, ainsi que la psyché du perso.
Indices : éléments d’une nature morte, bouteille, livres, ce sont des résidus.
C’est un camaïeu : réduction totale de la palette chromatique, travail avec les variations d’une seule couleur.

Picasso, Portrait de Kahnweiler, 1910

Braque, Le Portugais, 1911-12

Intro de la lettre pour réintroduire du sens
Altération de la lisibilité du sujet et pourtant sans le supprimer. Hermétisme de la surface, mais comment garder un lien avec le réel? Soit retour en arrière ce qui n’est pas concevable pour eux, soit comme Braque l’a fait introduction de lettres d’imprimerie. Ces lettres sont un objet de lecture mais aussi elle ne casse pas la planéité, sans illusionnisme pictural.
il joue avec la lumière avec des plages plus ou moins colorées.

Camaïeux ocre? De moins en moins lisible.
Introduction de lettres et chiffres, pourquoi? Très propre du fragment, plat. Pour réintroduire du sens et de la lisibilité. Sans un illusionnisme. Guitariste dans un café.

_Picasso, Femme à la cithare, “Ma Jolie”, 1911-12.
Toujours un rapport figure / fond.

Introduction de signes extra-picturaux. “Ma jolie” était un tube de l’automne 1911, renvoi direct à la musique pour les spectateurs. Partage de rôles. Ce tableau exprime les ambiguïtés et contradictions qui peuvent exister au sein de la représentation.
Des modes picturaux et scripturaux, dislocation de la structure.

Compo triangulaire. Le sous titre inclus
Limite de l’abstraction, le fond et sujet sans différenciation, non décryptable.
Entrée dans un système de signe extra pictural, indiquer par l’écrit ce que ne nous montre pas le tableau. Arbitraire

_Picasso, Nature morte au piano, 1911-12

1912 = introduction du papier collé sans revenir en arrière ni aller vers l’abstraction.
Intégration en 1912 de fragments réels > papiers collés, qui respecte encore la 2D.

⇒ signifiant= représentant (phonique) > papier collé, matière

Le signe
⇒ signifié = représenté > chose évoquée

Réintroduction de la couleur

Avec le cubisme on va construire le tableau en ne tenant compte des éléments qui servent à composer et structurer. Affirmer haut et fort que la peinture et les arts plastiques sont des œuvres de création.
On passe au 20e de L’art référentiel à l’art structural.

Picasso, Braque et Juan Gris travaillent en commun.

_Nature morte à la chaise cannée, 1912.
Comment réintroduire du sens sans retourner en arrière 1912 ⇒ papier collé
Introduction d’un fragment de réel, il devient un motifs artistique. Ils réintroduisent de la couleur dans le cubisme. Les collages doivent être envisagés en tant que signe ; signifiant (le constituant matériel) (cannage) et signifié (l’idée, concept voir immatériel) (chaise).
La forme ronde renvoie à une table.
Une sorte de dérision, utiliser une matière banale, par un geste inédit et sacrilège l’introduit dans une discipline mythifiée.

Juan Gris, Hommage à Pablo Picasso, 1912.

1912-14

_Albert Gleizes, L’homme au balcon, 1912

_Albert Gleizes, Les joueurs de football, 1912-13

Modernité à l’arrière-plan, choix d’un moment.
Le sport (iconographie nouvelle et moderniste). Thème de l’imagerie moderne et populaire (actuel rugby), privilègie la lisibilité (4 joueurs reco et têtes), élément central dans la compo : le ballon intégrale ovale. Géométrisation : arêtes, cônes, sphères selon la déf de Sézanne.

Robert Delaunay, L’équipe de Cardiff, 1913

La Tour Eiffel, grande roue, publicité Astra ⇒ éléments de la modernité. Sujet inédit : le sport.
Force et Couleurs contrastes simultanés de couleurs.
Représentation de la vie moderne : l’action (différent de Braque et Picasso). Pas de profondeur du champ pictural (réaffirmation bi dimension par la frontalité du panneau peint Astra). (Le Douanier Rousseau) Composition : télescopage, panneau publicitaire, introduction de lettre qui indique le monde moderne.

Delaunay : phase courte dans le cubisme, il utilise des éléments cubistes mais employés à d’autres fins, ils s’attachent à la problèmatique de la couleur (# Braque et Picasso), après = phase constructive (sans objet représenté).

Robert Delaunay, Tour Eiffel, 1910-11

Durant sa phase dite destructive (phase cubiste qu’il d’admet pas), 8 versions, plus d’angles de vue (caléidoscopique) dans une même toile, plusieurs vues en contre plongée. Elle implose et se reconstitue à différents moments.
Il s’appuie sur la couleur et la lumière, cette sensation permet de voir la simultanéité des formes. Offre une nouvelle notion / vision de l’espace = volonté de dynamisme dans l’espace >< statisme et rationalité du cubisme analytique.

Robert Delaunay, La Ville de Paris, 1913

Compostions en triptyque (montage pictural de sa propre carrière : série en ville, série de la tour Eiffel), dernière toile de cette période, point d’orge. Douanier Rousseau réf Autoportrait. Thème des 3 grâces : décomposition cubiste du corps nu, thème traditionnel juxtaposé au thème de la modernité (Eiffel) = reconnait les limites.

« la lumière est la seule réalité » 1913

une seule chose compte maintenant pour l'artiste, c'est l'observation directe dans la nature de son essence lumineuse. Ces couleurs lumineuses qu'emploie Delaunay permettent une véritable transfiguration de la réalité. Apollinaire en donne d'ailleurs le nom de « cubisme orphique ».
Delaunay fait de la lumière, obtenue par la juxtaposition ordonnée des couleurs : une source d'énergie. les contrastes simultanés de Chevreul.

Fernand Léger, La Noce, 1911-12
 
Interprétation de formes cubistes (donner du volume aux éléments volumétriques, travail de la couleur : aplat de couleurs primaires qui donnent une dimension plus aérienne à la compo), Décomposition des formes. Deux axes. Structure dynamique. Explosion et géométrie des formes : maillage serré de figures. Plus abstrait (courte période, à partir de 1915 retour vers figuration propre). Mouvance adaptée à l'iconographie : agitation d’une noce.

Fernand Léger, Contrastes de formes, 1913 

La seule expérience abstraite du peintre, logique matérialité : toile laissée brute à certains endroits ou peinture posée grocièrement. Dynamisme dans cet enchevêtrement de formes. Agencement analytique, stéréotypique (effet de rentrer dans la profondeur de l’espace). Clarté dans la compo (directe et simple). Accentue, contraste et intensité des tons.

Par le poète Marinetti, publié dans Le Figaro en 1909

En 1910 “Manifeste de la peinture futuriste” signé par les peintres Carrà, Boccioni, Russolo rejoints par Balla, Severini

1909 -
Origine autour de Milan qui est la région la plus industrialisée d'Italie.

Les futuristes sont la 1ère avant-garde historique > ils se basent sur une théorie, des manifestes. caractère virulent.

- Se débarrasser de la tradition. Le banal et trivial peuvent devenir matières d’art, plus que la culture officielle.

- Dynamisme universel - Exalte le mouvement > qui est la seule réalité du monde moderne.

- Tabula rasa > apologie de la destruction.

Ils se positionnent contre le cubisme et sa visée analytique. Car cette vision pose une distance avec son objet. Ils revendiquent une communication avec tout ce qui les entoure, c’est le dynamisme universel. Ils insistent sur coloriste. Ils revendiquent l’héritage des impressionnistes, ils travaillent par touches, divisionnisme, (et non l’aplat qui est utilisé par le cubisme)

Opposition à la vision analytique du cubisme. 1910 > début cubiste analytique avec les camaïeux de couleurs plus ternes.
> Au contraire les futuristes refusent les camaïeux et la touche sans couleur ni division.

# Un projet pictural ; exprimer le mouvement

→ Une peinture à sujet. L’objet n’est pas un prétexte mais déjà un manifeste. Tiré de la vie contemporaine, les sujets imposent le mouvement; la danse, les machines, les émeutes > le monde moderne.

→ Suggestion du mouvement des formes grâce aux *formes-forces* (”potentialité de la forme réelle”)

→ Compénétration des plans pour montrer la fusion entre le sujet et le Monde.

Comment traduire le déplacement, le dynamisme?

Ils évitent les aplats et les contours net et précis qui figent. Cela élimine beaucoup de moyens plastiques traditionnels. Le but : Synthétiser les différentes phases d’un mouvement.
Forme-force et ligne-force

_Luigi Russolo, La révolte, 1911

- Succession d’angles aigus de droite à gauche.
- Forts contrastes de couleurs et alternance de primaires (+ violet).
- Compénétration des plans.
- Comme si la foule (en rouge) renverse les immeubles (en bleu) par l’élan.
Schématisation des formes et couleurs symboliques.

_Umberto Boccioni, Stati d’animo, 1911, triptyque en 2 versions.
Lors d’une séparation sur les quais d’une gare. Mouvement des émotions.
Pour la 1ère version il s’était concentré sur les transformations atmosphériques. Mais n’en n’était pas satisfait. Dans la 2nde il utilise la compénétration des plans.

_ Gli addii
_ Quelli che vanno
_ Quelli che restano

Fusion du mouvement
Fusion de l’espace
Fusion temporelle
-> Fusion objet-espace par le facteur vitesse.

Carlo Carra, Les funérailles de l’anarchiste Galli, 1911

Sujet politique, Carra est toujours anarchiste. Révélateur des prises de position.

Violence dans le mouvement de foule > procédé plastiques et couleurs (rouge et noir, en + connotation politique), tableau en tant que drapeau idéologique. Cercueil au centre est le centre de gravité. Divisionnisme, refus des règles et subversion de la forme.

_Giacomo Balla, Lampe à arc, Moma, 1910.

Effet de la propagation dans l’espace urbain, avec l’éclairage urbain moderne dans une vision nocturne. Thématique contemporaine. En gros plan, il montre la décomposition de la lumière. Il utilise des particules colorées en petites flèches inversées avec les 7 couleurs fondamentales du prisme. Elles se colorent en s’éloignant du centre.

L’intérêt des phénomènes optiques
A la photographie des amateurs, des sportifs, des chronophotographies, des cinématographes. Pourquoi cette intérêt à la lumière? Car elle détruit la matérialité des corps, les sensations visuelles provoquent un mouvement optique.
Etienne Jules Marey et Muybridge

Balla, Dynamisme d’un chien en laisse, 1912.

Mouvement > lignes et contours en pointillés. Diffusion en éventails et pointillées. Peu de couleurs allusions à la photographie qui était de couleur sépia, des instantanés ratés amateurs.

Balla, velocità astratta + rumore, 1913-14, Venise

Il choisit un sujet plus dynamique, lié à l’abstraction, il n‘y a pas d’objet. Les formes se résument à des faisceaux obliques. Expansion de la vitesse, de la vibration du son.
Rouge et vert en partie inférieure, et bleu en supérieure.
Les formes se résument à des faisceaux obliques, vibrations dans l’espace qui se prolonge, il peint même le cadre.

Boccioni, Materia, Milan, 1912.

’Matière’ > ‘mater’ > Mère. Il creuse l’espace en projetant vers le 1er plan avant bras et mains. Mouvement concentrique et centrifuge autour des mains projetées vers l’avant, centre de la compo. Ambivalence du titre. utilise la pénétration des plans. Rouge et vert (#). Le dynamisme, l’énergie de la matière est exprimées par les lignes-forces, la matière véhicule l’énergie. Géométrisation prismatique des éléments, qui découle du cubisme. Ainsi que la compénétration des plans.
Couleur ; divisionnisme violent de la touche, contaste rouge/vert, chaud/froid, primaire/complémentaire.

1916 Zurich puis diffusion dans les capitales.
mettre fin à la catégorie de l'art en soi
(Tout d'abord par la poésie avec Mallarmé et Apollinaire)
les poètes Hugo Ball, Huelsenbeck, Tristan Tzara, les peintres Marcel Janco, Arthur Segal, Hans Richter, Christian Schad, Otto et Adya van Rees, Jean Arp et Sophie Taueber.

Le scandale est un moyen. Ils expérimentent avec provocation et humour.
Idéal de la non-valeur (objet = oeuvre d’art). Un monde morcelé.

le Cabaret Voltaire est leur lieu de spectacles et happenings provoquants mêlant tout les arts. Une revue homonyme est publiée en 1916 par Ball, où apparait le nom Dada. Au-delà des patries il y a des hommes indépendants. Révolte contre la guerre et sa société.
Hugo Ball ‘Au-delà de la guerre et des patries’ ils revendiquent l’internationalisme. Veut démystifier les valeurs de la culture passée de ces patries car elles ont mené à la guerre. Ils cherchent à supprimer les références culturelles au passé.
Hétéroclite autant dans ses membres que dans ses procédés.
Ils font des tracts, manifeste et affiches, apogée de la technique du montage > le photomontage.
« Dada est sans sens comme la nature »
« Dada est pour le sens infini et les moyens définis »

La revue Dada fondée en 1918-1923 par Tzara, 6 volumes. Ces revues sont des oeuvres en soi, avec des recherches propres, avec une cohérence plastique. Originalité de la typographie, c’est un champ d’expérimentation.

C’est au sein de cette revue qu’est publié le manifeste (par Tzara ?) avec en couverture ; “Je ne veux pas savoir s’il y a eu des hommes avant moi” Descartes → débuter avec le soi, repartir à zéro.

Hans/Jean Arp, Portrait de Tristan Tzara, 1916, 24x18,5cm Genève.
(alsacien)
en bois peint, découpé
biomorphisme, recherche de l'élaboration d'une plastique originale.

_Taueber, Tête Dada, 1920, MNAM

Transgression des catégories. Un objet tridimensionnel - peint. Des marottes. Elle pose la question de l’objet et son introduction dans la pratique artistique. Le symbolisme des objets, sont ils utilitaires ou autre, ou plus. L’objet a une qualité d’artefact qui peut trouver d’autres utilisations, translation de l’utilitaire à l’artistique. Polysémie.

Intro de la problématique de l’objet. Est-ce une sculpture, est-ce un objet utilitaire? Quelle est son utilité ? Le concept ‘ART’ est assez nouveau et de la société occidentale, avant c’était un objet religieux, ou bien technique ou autre, valeur symbolique. Où commence et finit un objet?

Mise en avant des objets symboliques en les arrachant de leur contexte.

_Francis Picabia, Parade amoureuse, 1917, hst, Chicago, coll. Morton G. Neumann.
Dessin mécanomorphe. Dessin froid et excessivement précis.

Une machine ironique, imaginaire et vaine, formée d’objets réels. Il utilise une technique très précise. Absurde ; perspective fausse, et imitation marbre.

A New York pendant la guerre, Picabia est rejoint par Man Ray, ils travaillent dans l’esprit ready-made et des dessins mécanomorphes.

_Picabia, Danse de Saint-Guy (Tabac-Rat), 1919-20, carton, encre, ficelle dans un cadre, 104,4x84,7cm MNAM.

Il se moque et réduit la peinture à son emballage; cadre, titre et nom de l’artiste. Mise à nue de la peinture comme dans.. Le cadre - le titre - le nom de l’artiste ; les éléments matériels d’une codification, ce qui font qu’un tableau est un tableau. Une peinture qui a tt les codes sans l’essentiel, il n’y a que l’emballage. Dérision.

_Picabia, L’œil cacodylate, 1921, huile et encre sur toile avec collage, 146,8x117,4cm, MNAM.

Multiplicité des signatures et signataires, déjoue la personnalisation à 1 maitre de l’oeuvre. Subversion et ironie car le code est d’avoir une signature unique sur une oeuvre. Parodie de la personnification d’une toile à un maitre.
Le cacodylate est le remède de la maladie ophtalmique de Picabia. Et caco ⇒ mauvais comme dans ‘cacophonie’.

_Man Ray, Rayogramme, 1923, MNAM

Procédé inventé; solarisation rayogramme ou rayographie. A partir de 1922, afin de transfigurer les objets quotidiens et donner une forme spectrale, lui confère une transparence étrange. Reste la trace le phantome des objets sur la photo. Indétermination du réel photographique. Il révèle l’aspect étrange et ambigu du monde.

Fait avancer la nature de la photographie.
Man Ray photographe développera une avant-garde aux States, américain, a beaucoup voyagé en France entre 2 guerres. Invente par hasard l’aérographe.

par Hannah Hoch (compagne de Raoul Hausmann), utilisé pour critiquer la société.
Apogée de ce nouveau procédé par la création de tracts et affiches dans le contexte de la révolution spartaquiste, terraux révolutionnaire et prolétaire.

_Raoul Hausmann, L’esprit de notre temps (ou tête mécanique), 1919-20

_Raoul Haussmann, ABC portrait d’artiste, 1924.

Vision fragmentaire du monde qui lui-même se fragmente. Cet espace visuel fonctionne comme un espace poétique.
Au début caractère brut. La conception n’est pas cachée. Montrer et tenir compte du désordre de la société de l’après-guerre Dada. Permet une dénonciation et expression.

_Hannah Hoch, 1919, Coupé au couteau.

Court-circuit visuel et conceptuel. Désacralise les modèles. The “New woman” l’identité et le rôle de la femme dans l’après-guerre. Instrument de commentaire critique sociale, illustrations tirées de mass media.
Double niveau de signification.

_Kurt Schwitters, Tableau-Merz 31, 1920, collage.

Un courant le Merz. Le matériau brut constitue le thème et sujet de son oeuvre.

Max Ernst, Le punching Ball ou … 1920.

Autoportrait parodique. “Dadamax” est son surnom.
Max Ernst s’inspire de la peinture métaphysique. Capter l’inattendu.

- En Allemagne : Der Blaue Reiter avec Kandinsky
- En France : le séjour des Mondrian, Robert Delaunay.
- En Russie : le Rayonnisme (Mikhail Larionov, Natalia Gontcharova, Marc Chagall) et le Suprématisme (Malevitch, Puni/Pougny)

Le Cavalier Bleu 1911
en Allemagne, débute par une contre expo homonyme, /de la NKVM

1866-1944 Pionnier de l'abstrait

il est passionné par Monet, il s'installe à Munich en 1896
se détache de l'impressionnisme
en 1908 il est à Murnau dans la campagne avec d'autres artistes. Date de cette période de nombreux paysages, et où commence une simplification des formes et choix iconographiques.
Vision expressive de la couleur.

Libérer la représentation par la couleur, et les formes et volumes simplifiés et brossés. Forme et couleurs prennent de + en + de liberté.
La représentation passe au travers du prisme de son interprétation, et devient subjectif.

A partir de 1909 il commence à peindre par séries; Impressions, Improvisations, Compositions. A partir des improvisations il ne prend plus modèle sur la nature.

“Du spirituel dans l’art et dans la peinture en particulier” publié en 1912 et débuté vers 1910. Antimatérialisme déclaré.

Almanach Der Blaue Reiter

"Du spirituel dans l’art et dans la peinture en particulier”
publié en 1912 et débuté vers 1910.
Il met en garde contre les dangers d’un art totalement abstrait. Il a peur que l’art ne tombe dans le décoratif, c’est pourquoi il s’attache au spirituel, pour réintroduire du sens. Il est très prudent. Il essaie de justifier la libération de la peinture de son contenu naturaliste. Il réclame une orientation vers sa thématique spirituelle et universelle.

A partir de 1909 Kandinsky commence à peindre par séries; Impressions, Improvisations, Compositions.
Il est très bon musicien et utilise donc ces références.

- Impressions; “Impression directe de la réalité extérieure”

- Improvisations; “expression inconsciente d’évènements de caractère intérieur”, numérotés de 1 à 35. Pas en lien avec un objet. A partir des improvisations il ne prend plus modèle sur la nature.

- Compositions; “lentement élaborées, reprises, examinées et longuement travaillées à partir des premières ébauches” éliminé tout les référents extérieurs.

Kandinski aboutit à l’abstraction par un travail sériel. Elabore progressivement une conception originale de la forme et de la couleur. Une nouvelle grammaire.

_Kandinsky, Sans titre, 1910/1913, aquarelle sur papier, 49,6 x 64,8cm, MNAM.

Mine graphite, encre de Chine et aquarelle sur papier. Il explore les possibilités du médium. En jouant sur l’opacité et la transparence de la couleur.
Il expérimente le potentiel de la couleur et ligne. Les couleurs ont des consistances différentes. traits, lignes, filaments, lignes ondoyantes. Impression de spontanéité et d’allégresse et pourtant. Semblent flotter dans un support en tant que champ de force qui n’est pas statique. La peinture est faite de ces constituants, un support, des lignes, des couleurs sans pourtant s’appuyer sur une représentation. Les éléments semblent glisser, ne sont pas ancrés, un dynamisme du bas gauche vers haut droit ou inversement. Au final ça reste un fragment de réel d’un espace pictural. Dominante de bleu et rouge avec les complémentaires autour.

_Composition ou Tableau à la tache rouge, 1914, h/t, MNAM.
Vision caléidoscopique. Lignes noires ascensionnelles, qui nous amènent à la partie supérieur du tableau. Multitude de couleurs. Les lignes dirigent notre regards, directionnelles, elles indépendantes de la couleur. Sensations chromatiques.

_Improvisation XIV, 1910, h/t, MNAM

Est-ce que l’analyse iconographique est importante? NON
Mais plutôt à quoi cette série et où se place Improvisation XIV? Il ne reste qu’une allusion de la réalité. Au profit d’une compo. ‘…dans la direction d’un art pictural pur’.
Bidimensionnel, construction par plans; inférieur et supérieur. Inférieur avec lignes traits et cernes qui séparent les couleurs, quant au supérieur des frottis de couleur sans cloisonnement.

Ce ne sont pas des aplats les espaces de couleur vibrent.
Les références à la nature ne sont plus qu'allusives et prétextes à une harmonie de formes et de couleurs.

“images d’un monde intérieur”

Kandinsky, Paysage à la Tour, 1908 h/contreplaqué, MNAM

Vision expressive du paysage. Il est passé au prisme de son interprétation, donc subjectif. Prise de distance. Pas de graphisme appuyée, ce sont les espaces de couleur qui font apparaitre la composition.
Formes et couleurs prennent de + en + de liberté.

Piet Mondrian (1872-1944): vers le néoplasticisme
et
Robert Delaunay (1885-1941) : la simultanéité des couleurs.

(Le cubisme est un passage de leur carrière qui va les amener à l’abstraction.)

But > atteindre l'essence universelle
Comment ? > en synthétisant, abstraire. Travail sériel de synthèse
il passe du cubisme > au fauvisme > pour atteindre l'abstraction
Grace à la découverte du cubisme analytique en 1912 à Paris il va arriver à l’abstraction.
Actif à partir de 1890. Tout d'abord peinture naturaliste (école de La Haye). A partir de 1907 simplification des paysages. Puis chromatisme vif.
lumière
Phase néoplastique (De Stijl) dans les années 20 et 30

⇒ Atteindre l’essence des choses, du monde. Qui est pour lui ordonné et régi par des lois strictes. Spi/matière, horizontal/vertical. Dualité. Les opposés se tempèrent et s’équilibrent.
Il rejette toute hiérarchie entre centre et périphérie. Et affirmation totale de la 2D. Plus de contraste entre figure et fond.
Les couleurs sont les plus neutres possibles. Pour ne pas avoir de connotation symbolique. Il travaille avec des contrastes, des tonalité de blancs différents.

Mondrian, L’arbre rouge, 1909, La Haye.
Choix subjectif des couleurs. Encore fauve et vibrant.
1
Puis de plus en plus alusive.

_Mondrian, L’arbre gris, 1911, hst, La Haye.
Formes de lunes.
2
Séjour à Paris en 1911

Mondrian, Pommier en fleur, 1912, La Haye.
3
Monochrome, camaïeu. Les branches secondaires de l’arbre ont disparues. Branches synthétisées et géométrisées, en forme de lunules. Les branches envahissent toute la composition, donc plus de séparation entre fond et sujet. Affirmation du bidimensionnel. La silhouette du tronc est encore distinguable. Les branchages envahissent tout l’espace de la toile, il n’y a plus de fond.

Lors de son séjour à Paris de 1911 à 1914
_Nature morte au pot de gingembre, 1911-12.
Dans le style cézanien, au fond brossé et moins précisé.
_Nature morte au pot de gingembre, 1911-12.
Interprétation cubiste, seul le pot garde son intégrité.

_Mondrian, Composition avec lignes noires, 1917, Otterlo.

Plus que des lignes droites et orthogonales. Impression de volumétrie, ‘concave ou convexes). Architecture synthaxiques.
nouvelle image du monde dématérialisé, et désimpersonnifié.

_Mondrian, Broadway Boogie Woogie, 1942-3, MOMA.

A la fin de sa vie, années 40, il fuit aux States.
Un rythme est imposé à la ligne. Séquence rythmique. Vibration. Rapidité. Alternance et chevauchement des lignes. Réf au plan de NY très ordonné.

_Mondrian, New York City 1, 1942.

A la fin de sa vie, années 40, il fuit aux States.
La ligne se fait couleurs, et peuvent se chevaucher. Fascination pour le rythme (de la ville de NY), découverte du jazz et de la rythmique.

_Mondrian, Composition avec rouge, jaune et bleu, 1921, La Haye.

phase néoplastique